编者按：于2019 年6 月2 日落幕的第十二届中国艺术节中获得文华大奖的舞剧《永不消逝的电波》，一度在社交网络引爆话题，是近年来较为罕见的票房与口碑齐飞的红色题材主旋律舞剧，且收获的“粉丝”中有一大群“80 后”“90 后”的年轻观众，令人惊喜。可以说，《永不消逝的电波》是一部现象级的作品，但我们又希望它不仅仅只是一个现象，更能成为一种茁壮生态下的“常态”。而对编剧罗怀臻来说，上海歌舞团有限公司能出品这样的“爆款”舞剧并不意外，在前一部的《朱鹮》合作中已给他留下的深刻印象，而这一次合作前前后后的故事中，偶然中有必然；而在打动观众之前，已打动了编剧自己……

新的时代呼唤新的舞剧

“转化”是罗怀臻在谈及艺术创作理念时反复提到的重点，这也是身为“50 后”的他在多年浸润业界和一线创作实践中得来的经验，也带给他足够多的荣誉和肯定。如今在面对新崛起的“80 后”，他的这番感慨尤其深。为什么呢？因为，上海歌舞团的《永不消逝的电波》（下文简称《电波》），就是一个“80 后”团队，以舞剧总编导韩真、周莉亚为核心，从演员到作曲、舞美、灯光、服装、音效等二度创作人员都是80 甚至90 后。罗怀臻认为，正是年轻一辈的崛起，使得这片土壤得以出现一些新的气象。在具体的合作中，他们也能很好地理解剧本、吃透剧本，并且在审美上也颇为新颖。也即是说，让他很放心。

《电波》的色调看起来很“素”，和我们惯常印象中华美的舞台有出入。对此，罗怀臻表示，是过去的舞剧太注重纷繁色彩的舞美和豪华的包装，这样易落入形式主义的窠臼；不仅如此，在包装和道具上也花费掉很多预算，而对剧本、内容这一真正的主心骨却没有足够的重视也没有足够的支持。

其实，罗怀臻多年来一直在提倡传统戏曲的当代转化的问题。因为现在整个社会的生活方式、生产方式、娱乐方式以及审美趣味都在快速地城镇化、城市化、都市化，而以农耕时代的生活方式、生产方式和交流方式为依托的戏曲艺术自然也是面临着生存危机—在当下大都市生活的戏剧、戏曲观众们，他们走进剧场，究竟是要看到什么呢？对此，罗怀臻曾写道：“今日，中国舞台艺术的主体形式仍然还是戏曲，然而全国各地正在热火朝天建造的大剧院、歌剧院仿佛又都与戏曲演出无关。是让变化的剧场适应不变的戏曲，还是让戏曲在变化中适应不同的剧场，我想戏曲既要在相适应的场所展示自己，也要自觉登上包括大剧院在内的各种新兴的演出场所与传播平台，以适应现代演艺环境的变化。……二十一世纪大剧院建筑在中国的兴建，是对中华传统戏曲的刁难，也是挑战，更是机遇，它倒逼戏曲在‘扬弃继承’基础上的‘移步’，加快实施‘转化创新’意义中的‘换形’，从而创作出与当代社会、当代剧场、当代审美相适应的新的一代戏曲。”1那么，基于这一理念延伸到舞剧中，我们亦可追寻到这一创作的主动脉。

以积极备战的状态创作

罗怀臻是一个从不打无准备之战的人。作为打响“上海文化”品牌的标杆作品，《电波》肩上的使命自然是沉甸甸的。如今，《电波》的成功有目共睹，每当有人问起罗怀臻剧本的最成功的因素在何处，罗怀臻都会说：是剧本的文学性。而早些时候，很多人对这一点是有疑问的：舞剧需要剧本吗？舞剧如何体现文学性？美妙之处恰在于此—罗怀臻认为：舞剧是以更民族化、更地域化的方式实现着更现代化和更国际化。

因为与上海歌舞团的因缘际会，在《朱鹮》之后继续合作《电波》，罗怀臻说，也是因为第十二届中国艺术节在上海举办的契机非常重要。这么多年来，上海是第一次申请主办，所以可以说是势在必得，为此，我们自然应该拿出属于我们的作品，尤其是一部舍得将大制作的功夫用在作品“文学性”上的作品。正是重视文学的这种观念突破，让舞剧有了内涵，也有了情感、有了观念，所以舞剧它就有依托了，不再是浮在视觉表层的一种东西，这在今年这届同样口碑很好的《天路》《醒·狮》等舞剧作品中亦可见一斑。舞剧，是本届中国艺术节的最大亮点。

《电波》备战的过程，直至演出的轰动、口碑以及最后获奖之后的思考总结，这些都应该成为一种经验普及，而非一种现象级的个案。包括同期共同参赛的上海出品的作品，它们的不足又在何处？这样横向和纵向共同参照、讨论、分析才更有价值。

文章来源：《电波科学学报》 网址: http://www.dbkxxbzz.cn/qikandaodu/2021/0225/483.html